对于辛迪雪漫来说，把她的作品单纯当作“如同电影效果的摄影照片”太委屈。她是一个集合演员导演摄影师化妆师为一身的人，她对人的观察入微，对镜头的十足了解，对模仿能力的无敌自信，造就了她的作品。我们看电影一窥人生百态，她用自己展现人生百态。

另外再介绍两位非常出名的喜欢拍摄“如同电影效果的摄影照片”的摄影艺术家。

一位是 Gregory Crewdson, 他的每一幅作品堪比好莱坞的投入。比如这一幅：

照着居民的这一束光，你以为特效或者路灯你就输了。是他派直升飞机照射的……

而他的大多数照片有一种“上帝视角”，也是因为摄像机是架在起重机（升降机）上。

这里面的人员投入／场景选取，都是电影级别的。

他的这系列作品背后的意义，我就不赘述了，因为不是题主关注的。

第二个是我个人特别喜欢的摄影师 Jeff Wall

他的摄影作品都是 staged 的，看起来却很自然，有一种散文诗的意境。他展览自己的照片的方式也非常的“电影”，他将作品放大到介于一般的摄影作品，与电影的屏幕大小之间，并用光箱作为后备，让人有一种置身其中的奇妙感觉。

答案更新得很粗糙，只是给大家提供了点拓展性的想法。如有不当敬请更正。

还有其实这个答案是脱题的，因为题主问的是后期调色哈哈哈哈。

还是感谢厚爱。感谢来围观的我的朋友们。

原文：

要看你想要 哪种电影 的效果。

放一段台湾电影摄影师李屏宾大师的话：

如果我很容易就把光圈處理到一個景深很好、畫面出來很漂亮的話，那麼對我來講，那就變成大家做的事情都一樣了，那麼也就失去了自己所喜歡的影像的某些感覺；而且，鏡頭都有自己的個性，有些在沒有景深的時候，反而才能呈現出最好的樣貌和色彩。

好吧，受老师的影响我很喜欢李屏宾大师，

他所拍摄的《花样年华》《恋恋风尘》以及《挪威的森林》

想必大家都会对里面的光影表达以及镜头叙事非常有印象，

《挪威的森林》里面那个 120 米的轨道拍摄的 5 分 06 秒的长镜头实在是美到不行，

如我老师当时的评价“仿佛每一帧都单独成画。”

如果想对电影镜头的光影表达有所了解，建议可以看下他的书《光影诗人李屏宾》以及关于他的纪录片《乘着光影旅行》以及放映周报对于李屏宾的采访

放映頭條：專訪攝影師李屏賓

并不一定说你要认同、喜欢这个人的拍摄风格，但是里面的很多理念是可以借鉴的。

以前跟专业的拍电影团队工作过，觉得包括前期、拍摄、后期，尤其是后期影调的调整，都是要把整个情绪表达出来的重要步骤，

其他回答中大家说的，通过调节色彩，拉曲线，加台词、对白，拉暗角 等等的办法，（为了回应题主的后半部分提问），不失为一种捷径，但是还是想对题主直言，

电影镜头的风格，若要刨去原声和音乐的表达，专门截止静止的时间点下的画面，

它的美感来自于：

• 灯光的布置：这场戏该布置多少个灯，哪一个灯几百瓦色温多少，打到哪一个演员哪一个部位，还是照亮背景，为了突出什么，压暗什么
• 色彩的表达：哪一盏灯加什么色纸，表达什么样的情感
• 镜头跑位的布置：需要以谁的角度，哪一个角度去观察，用哪一种态度观察，是偷窥？交流？蔑视？跟踪？旁观？主观？表达恐慌？焦虑？平静？
• 演员的素养：如果镜头里有人物出现的话，他是主角？配角？路人？
• 空镜头：这个物体／风景／其他客体，所承载的情绪，所表达的大环境，周围的道具对其烘托，客体被对待的态度。
• 然后才到后期，然而其实很多电影的前期如果灯光表达到位的话，后期主要是调整不同的机位、不同场景下镜头的连贯性所进行的颜色调整，还会加上导演所希望的整体情绪表达。这个能达到效果的方法其他答案里面已经讲的很清楚了，无需赘述。只是希望大家在后期修改图片，想要把它表达为电影风格的时候，记得你是用什么情绪，再去想用什么手段。

只是加台词这种办法，不觉得很敷衍么。真有这么容易，大家随便拍点东西加台词就可以上院线，你愿意么＝ ＝电影真的是因为有台词才有风格么？电影人会哭的。

前面对于电影镜头的表达，都是个人随感，并没有什么专业术语，请各位电影大大指正和指导。

最后放一位很喜欢自拍、也很喜欢把自己模仿当成电影里女主角的摄影师的作品，她的照片，就很有电影的风格，大家可以参考下。

除了把自己当女主角一样的“饰演”，她镜头的摆放，表现了当代人对于女性观察视角的反思，这也是很值得借鉴的。

难怪麦当娜姐要赞助她。

她就是 Cindy Sherman

虽然只是单幅的照片，但是大家能在每张照片中仿佛感受到剧情一般的浮想联翩，

为什么这个女生会单独回家，为什么会单独在路边打车，这个女仆是否是遭受侵犯的对象，

等等

她并非在拍电影，虽然她是在模仿电影里面的情形，但是这也给我们很多提示，

如何在拍摄中表达你想要讲述的东西，

画面里是否什么东西太多，什么东西又还不够，

灯光是不是还没有能表达出情绪？

把静态照片拍出“电影感”是个伪命题，尤其是那些加了两条黑边和字幕就以为有“电影感”的。

电影摄影风格有那种对比强烈摆十几个灯在棚里拍的（《Sin City》）；

有那种纪录片风格对比较低色彩不饱和的（《三峡好人》）；

有鲜艳亮丽用美术道具砸出来的（《布达佩斯大饭店》）；

还有一心要向老照片甚至油画学的（《一代宗师》）：

有用三分构图的，也有不用三分构图的，比如经典的 Wes Anderson 强迫症：

有《安妮霍尔》那样主角说半天话却不出现在镜头里的，有《Spring Breakers》那样实验性手法没事就打一片大红灯绿灯的：

你倒是告诉我，里面哪个算有电影感，哪个算没有电影感？

单独看截图，哪张算是“有电影感的照片”？？？

楼上大部分都在说调色，而脱离情节意境的电影调色都是耍流氓。不是说高光青一点暗部黄一点就像电影，到处都有反例。

要问我电影摄影有没有可供借鉴、总结的特点，那就是——为情节服务！

比如好莱坞摄影经常喜欢背景偏青，主体偏黄，因为这样可以在突出主体的同时，不影响主体（往往是人物）的肤色，同时更有纵深感。

里面运用此大法最熟练的大概就是迈克尔·贝：

姑娘和大黄蜂都如！此！之！黄！【哔——

同理可得，这种简单粗暴的调色法一定可以让您的照片显得财大气粗。

其实电影界中的确有一种特别的摄影风格，和故事风格结合起来，成为 film noir（黑色电影）。其特点是戏剧性地利用光影和黑白对比，为情节服务（没错又来了）。

注意墙上的影子。其实《Sin City》系列的视觉风格很大程度上是向 film noir 致敬。

说回问题本身吧，看了这么多不同摄影风格，你还会认为“电影感”是轻易能模仿出来的东西吗？那么多调色教程，我敢问您模仿的是哪部电影的哪种感觉啊？

静态摄影和电影摄影是两种不同的媒介，有不同的功能和优缺点，为了实现同一个目的——传达故事。静态摄影由于没有时间维度，需要在有限的画面内纯粹用图像表达故事；而电影摄影则得益于时间（上下文）和台词的存在，可以更加灵活。把静态摄影和电影摄影混起来谈论技巧，谈论调色，谈论“感觉”，完全就是耍流氓。

诚然，很多时候当我们学不到神髓，就只能学个皮毛架子，就好像不能理解数学的人只能多做题一样。我们也许能够用 PS 模仿一两部电影截图的色调，但是融合在构图与调色中的叙事手法，绝不是这样就可以学到。

总之，我特别讨厌所谓“电影感”照片的说法，就好像人家郭靖练会了降龙十八掌，你拿过来花几个样子印在草纸上批发成秘籍一样。谁爱练谁练，反正就是卖给圈外爱好者的。但若要拿着这秘籍去参加武林大会，这就是你的不对了。

对于这个问题，我个人并不倾向于去总结一套方法。说实话，我对@刘烨宏 转载的 《电影胶片风格调色的思路与实践》这篇文章有一些不理解，这篇文章对于色彩的理解完全没有达到一个风光摄影师及格的水准，更别说电影摄影了。

这两幅图片无论哪一方面，前者都要胜过后者。

但是遗憾的是，我们摄影论坛充斥着这样的所谓调色技巧，把原本优质的照片处理成这种不伦不类的风格，更令人发指的是，居然得到网站编辑或者摄影师的推崇，总是令人有种闭关锁国的无奈之感。

这是 red one 直出的原片。

这是影片的最终效果。

对比可看出整体色调从暖到冷（偏绿），这跟大卫芬奇的风格不无关系，有摄影基础的同学很容易看出个中区别， 阴影部分偏的非常明显。

原片

影片的最终效果

原片

影片的最终效果

随着光线布置的复杂程度，你会发现你越来越难看出原片与正片的区别。

但是大卫芬奇的片子有一点好分辨，就是绿 + 暗。

前面几位的答案都是横向分析一些影片的摄影风格，我就说点别的。记得上一届奥斯卡最佳摄影和最佳视觉效果都是《少年派的奇幻漂流》（以下简称少年派 ），简单的说点自己对于这部影片在视觉上的理解，希望可以给予题主一些有助于思考的内容。少年派不是一部完全由普通摄影机拍摄出来的电影，而是一部 3D 电影，这里我们仅仅讨论正片的视觉色彩风格。

影片最开始是派家里动物园的介绍，从这一帧的情况来看，高光被降档了，用 LR 取值 R84.5，G86.9，B89.1，明显的是偏蓝青色，暗部区域最深的不低于 R5，G5，B5。也就是说，从这一帧的情况来看，暗部区域是纯灰色，没有色彩倾向，而亮部则是偏蓝青色，符合人眼对于蓝青色不敏感的补充，这样的色调在后面还有很多。而对于平面摄影师，这样的色调显然不符合他们对印象中所谓大片的理解，如果我是杂志社或网站的美指，我可能会把照片设计成这样：

这张照片和电影画面有什么不同呢，首先曝光值不一样，电影院几乎是全黑的环境，所以电影画面的曝光值一定是低于普通照片的，否则会造成画面过亮。其次这个照片已经被风格化了，不是原来的场景还原，而是艺术处理，一般来说，电影需要的是表现整体画面风格，适应画面环境，不需要额外的艺术处理。印刷稿和网站，比较倾向于更明亮的色调，暗部区域也会偏色，形成独特的视觉风格。这张的暗部区域偏向于蓝色，没有电影画面那么黄，红色部分则适当增加饱和度，并增加暗角。

对比一下如果是电影画面适应到 bing 的主页

相比之下，我个人更喜欢电影画面的味道。

这是拍摄时的剧照，我们看到 pi 的裤子几乎是纯白色（暗部度偏蓝），船体也是白色，而在最终影片里，导演的处理是偏向于绿色，绿色的数值比红与蓝高出 4%。

至于为什么要偏绿，这个有很多因素，有可能和那个时代的 kino flo 灯组有关系，kino flo 用久了会偏绿，后来索性都调成绿色（《七宗罪》是始作俑者），或者是让人跟电视新闻的夜景联系起来（电视新闻的夜景会用夜视仪拍摄，夜视仪是绿色），使人产生真实的感觉，又或者是人眼对于绿色更舒服。总之，现在的风格就是这样，偏绿。

对比正片截图和剧照我们发现，影片把高光压的很低，仿佛加了一层青色的滤镜，天空被填充了绿色，减少红色的饱和度，暗部细节提亮，暗部和亮部的对比不是那么明显，相当于增大了宽容度，让看看到更多的细节。

风光大片，虽然是合成的，但是依然可以看到设计师艺术造诣，暗部细节丰富，高光依然偏青蓝，白平衡始终没有往暖的方向倾斜。构图这里就不说了。

室内一般场景，窗外的高光依旧被压低，注意室内暗部细节，没有造成细节损失，看起来像加了暗角，其实没有，只是中间的高光产生的错觉。白平衡依旧像蓝绿方倾斜，整体曝光降档。派身上的白色衣服偏冷，另外摄影师尽量减少环境光对摄影的影响，室外的光线看起来是白色，窗帘没有被室外的颜色污染。（真实情况可能是室外的光线会造成偏蓝，后期被修饰。）

室内一般复杂场景。此处光线较为复杂，把握不好容易弄脏画面，厨师的脸部补光充分，背景也有理想的光线，这个场景已经不是普通摄影师可以掌握的了，一般情况下，根据我看过的港台或者大陆的电影，这种复杂的光线摄影校色会十分困难，我看到的一般是类似这样的风格

就不多说了。

室内极复杂场景，这样的画面看似简单，其实非常难拍摄，难度在于背景光线与人物脸部的细节的对比处理，从 pi 的眼睛里可以察觉到灯箱的布置。因为窗帘枕头衣服都是白色，所以减少了后期处理的难度。白色的窗帘枕头衣服都是偏绿，与影片中海上绚烂的饱和色形成鲜明的对比。

这部影片中有很多场景值得摄影师借鉴，毕竟是拿了最佳摄影，我说的也仅仅是极小的一部分，还不一定正确。题主的问题其实很好解答，说到底这无关电影，纯粹是对摄影的知识掌握到何种程度，说到底还是基本功，在我看来，构图远远比色彩风格重要。构图决定了你拍什么样的照片，所谓的电影风格其实根本没有这样的风格，我说这样的话不知道会不会被骂，但是确实如此。我相信，如果你将一张照片构图无可挑剔，色彩还原正确，再加上简单的 Ps 修饰（这仅仅需要一丁点技术），我相信就可以营造出所谓的电影效果照片。

附一张喜欢的电影画面。（我真心不喜欢时尚杂志上拍摄的那些所谓的时尚大片，更喜欢这种电影调调)